DISEÑO INDUSTRIAL A TRAVÉS DEL TIEMPO

DISEÑO INDUSTRIAL EN LATINOAMERICA

LA IMPORTANCIA DEL DISEÑO ESCANDINAVO

El diseño escandinavo “funcionalismo racionalista” inicio como una intención de integrar la artesanía y los procesos industriales, siendo estos productos útiles para la gente, con una carga directa de humanización; fundamentándose en criterios de racionalidad, simplicidad y belleza, logrando una vía intermedia entre el mueble de lujo y decorativo, con la intención de mostrar la funcionalidad de lo bello y busca explotar al máximo las posibilidades industriales.

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MOSAICO º S L U T G I L T I G A

1. Jarra de vino K.F: http://decorativearts.waddingtons.ca/31march2010/catalogue/0/0066/
2. U. de Aarhus K.F: http://wn.com/demetri_porphyrios?orderby=relevance&upload_time=this_week
3. PH5 de P.H: http://www.fiestadecochera.org/2010/11/iluminamelo-poul-henningsen.html 
4. Alcachofa P.H: http://elcastillodemordick.foroactivo.com/t3060-lampara-de-techo-artichoke-aluminio
5. P.H lamp: http://en.wikipedia.org/wiki/File:Ph-lamp.jpg
6. B.M: http://www.bonluxat.com/a/Bruno_Mathsson_Paris_Daybed.html
7. 1966 B.M: http://www.garageonline.se/shop/taxonomy/term/22
8. Silla Eva B.M: http://minahouse.blog.shinobi.jp/Entry/197/
9. Silla Mimat B.M: http://www.architonic.com/es/pmpro/bruno-mathsson-international/3100024/2/2/1
10. Sillon Nº 41 A.Aa: http://www.eblog.com.ar/11321/de-alvar-aalto-y-nokia/
11. Jarron Savoy A.Aa: http://www.misscompras.com/jarron-alvar-aalto/
12. Biblioteca de Viipuri  A.Aa: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:VIPlibrary.jpg
13. L-leg A.Aa: http://www.steeldomus.com/es/low_stool_alvar_aalto.htm
14. Carrito de te Nº 98 A.Aa: http://marzua.wordpress.com/2010/06/20/carrito-thevagnen-901-1937-alvar-aalto/

DISEÑO ESCANDINAVO

¡INTRODUCCIÓN!

El diseño escandinavo es un pilar  importante para el diseño industrial, sucede después de la Segunda Guerra Mundial, ubicándose en el posmodernismo. Su desempeño logró  una mezcla armónica de  combinaciones artesanales y procesos industriales, aunque fue influenciado por el diseño orgánico de los estados unidos, el diseño italiano, y la innovación tecnológica de nuevos materiales.

Kay Fisker Otto

                                                 Imagen tomada de: http://en.wikipedia.org/wiki/Kay_Fisker

Nació el 14 de febrero 1893 en Copenhague  y fallecio el  21 de junio 1965 en Copenhague. Fue un gran arquitecto danés, exponente del funcionalismo.

Sus estudios profesionales iniciaron en la Escuela de Arquitectura de 1909 a 1920, donde se graduó como arquitecto y fue profesor  en la facultad de arquitectura a partir de 1936, también fue jefe residencial de clase de la escuela y finalmente, decano de la Facultad de Arquitectura de la Escuela desde 1940 hasta 1943.  Se le consideraba un maestro muy inspirador que ha dominado la construcción de viviendas en Dinamarca.

Por su brillante trabajo recibió varias medallas:

•  La Medalla Eckersberg 1926 y la Medalla de Hansen de 1947 por la     Universidad de Aarhus.
• Ganó la medalla de oro en la exposición internacional de arquitectura en Gante en 1921 y la Exposición Universal de París, el 1925.

Además hizo parte del grupo de editores de la la Asociación de Arquitectos de revista arquitecto desde 1918 hasta 1926.

Fisker desarrolló más tarde en la teoría y la práctica "la tradición funcional", que tuvo un impacto especial debido a la calidad de sus propias obras. 

Fue miembro de diversas organizaciones:

• Fue miembro Honorario Correspondiente de la Real Instituto de Arquitectos Británicos de 1948, por la Royal Society of Arts , Londres 1948 y la Architectural League , New York en 1952
• Fue miembro honorario de la American Institute of Architects 1955. 
• Profesor en el Instituto de Tecnología de Massachusetts , Boston 1951-52 y en la Graduate School of Design en Harvard University  en 1952 - 1953.
• Miembro de la Sociedad de Historiadores de Arquitectura , Washington DC  en 1959.
• Pertenecio a la junta de la Asociación de Arquitectos  en 1936 hasta 1942 y fue presidente de la misma a partir de 1937 hasta 1942.
• A si mismo fue miembro del consejo de la Asociación para la Preservación de Edificios Antiguos 1937-1942, Consejo de Administración de la Sociedad de Historia de la Arquitectura de 1947.
• Y colaboro como arquitecto de Hospitales e instituciones como el Instituto Danés de Roma (1963-65).

En la creación de sus objetos Kay Fisker se destaca por la gran armonía de sus productos, la desnudez de las formas geométricas de sus piezas, resultados de una equilibrada síntesis entre el movimiento moderno y la tradición (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: Art Deco Versus el Funcionalismo Racionalista, p.249.  Madrid )

Poul Henningsen

Imagen tomada de: http://www.madebyarchitects.com/pages/poul-henningsen

Nació el 09 de septiembre 1894 en Ordrup - Fallece el 31 de enero 1967 en Hillingdon. Arquitecto y Diseñador, PH fue uno de los diseñadores de lamparas daneses, arquitectos, escritor de revista, el cineasta y crítico social conocido con las iniciales: PH.

Inicio Alternando sus estudios secundarios con la preparación para albañileria y después estudio en  el Instituto Politécnico en 1914 y tal como muchos de los insurgentes y los principales arquitectos contemporáneos que no eran entrenados en la Escuela de Arquitectura contaba con un carácter artesanal.

Era funcionalista, ateo y defendía de la libertad sexual y era máximo oponente de la ornamentación innecesaria en los edificios, insistía en que todo lo que debe reflejar es su función. Como ejemplo a esto existe una serie de edificios en Dinamarca por Poul Henningsen quien fue el arquitecto de su propia villa en el lago Gentofte y desde 1941 fue el arquitecto para el parque de atracciones Tivoli en Copenhague.

Trabaja como arquitecto y al mismo tiempo a como periodista, escribiendo para numerosas revistas y periódicos, teniendo este influencias de sus padres escritores.

HP fue una figura clave en el radicalismo cultural de la década de 1930. Ya en 1920, marcó su punto de vista de crítica social, como director y editor de la revista " Revue crítico ".

Se hizo mundialmente famoso por ser el diseñador de la iluminación fabricada por la empresa de Copenhague de Louis Poulsen. "PH" lámparas que fueron los resultados de los diez años de Poul Henningsen pensando en el desarrollo de la iluminación. El  pensaba que no habían bombillas capaces de echar una luz cálida y suave que iluminara toda una habitación sin ser duras o evidentes, demasiado fuertes, así que decidió desarrollar  una pantalla que enviara la luz en la habitación con toda su fuerza sin deslumbrar. Desarrollo la gama de lámparas PH , creando PH5, la alcachofa, entre otras que eliminaban los reflejos de la luz crando ambientes calidos y agradables (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: Art Deco Versus el Funcionalismo Racionalista, p.248.  Madrid )consiguiendo un producto que podía ser producido en masa, lo que lo convirtió en un hombre rico.

Alvar Aalto

          Imagen tomada de: http://cavicaplace.blogspot.com/2010/07/alvar-aalto-1898-1976.html

Nacido el 03 de febrero de 1898 en Kuortane, Finlandia, fallecido el 11 de mayo de 1976 en Helsinki, Finlandia, sus estudios universitarios iniciaron en 1916 cuando se matriculó para estudiar arquitectura en la Universidad Tecnológica de Helsinki , donde se graduó en 1921.

Dos años después de su graduación abrió su primera oficina de arquitectura. Con el tiempo Jyväskylä se convertiría en una ciudad destaca por su arquitectura, con más edificios diseñados por él que en cualquier otra ciudad

A lo largo de su carrera, desde los años 1920 y 1970, se pueden ver  los estilos de su trabajo, que van desde clasicismo nórdico destacado en sus primeros trabajos, pasando al racional estilo Internacional moderno en la década de 1930 y avanzando a un estilo modernista más orgánico a partir de la década de 1940.

En su arquitectura predomina su interés por ofrecer edificios “a escala humana”  lo que se ve reflejado en  edificios como  Turun Sanomal (1927), Biblioteca de Viipuri (1927-1935), Sanatorio de Paimio (1929-1933).

Es el diseñador escandinavo que mayor repercusión internacional ha tenido. A finales de la década de los 20, paralelamente a su fructífera actividad como arquitecto funcionalista, inicia la implementación en el diseño de muebles con revolucionarios sistemas y formas que se conservan en la actualidad, la producción del mueble nórdico alcanza su máxima expresión. En sus diseños se ve un enfrentamiento al racionalismo estricto, prefiriendo la sensualidad de las curvas.

Preocupado por planeamientos que humanicen el producto, piensa que los racionalistas han llegado a un extremo demasiado rígido en su afán por respetar lo que ellos consideran las formas puras de la geometría. El cree que se pueden hacer objetos perfectamente funcionales sin olvidar las fuentes de la tradición y la familiaridad de materiales como la madera.

Las inspiraciones de este diseñador son sillas de Thonet como las de acero tubular de Mart Stam y Breuer.

La pieza más conocida de Alvar Aalto es el sillón numero 41 (1931 -1392) que hizo para el sanatorio de Paimio. Este diseño introduce a la novedad formal de dulcificar las líneas y redondear los bordes, y la novedad material de optar por madera en lugar de acero o cristal, destacado también por su método de producción que no requería tecnología costosa.

Otros de sus diseños emblemáticos fueron “el carrito de te número 98” desarrollado a partir de las patas del sillón Paimio y los taburetes “L-leg” que gracias a la forma innovadora de sus patas son apilables, también diseños en otro material (el vidrio) brindándole solidez y calidad a las piezas de uso cotidiano como el jarrón “Savoy” donde se destaca el organicismo abstracto que se resuelve en formas asimétricas pero sinuosas. (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: Art Deco Versus el Funcionalismo Racionalista, p.250, 251.  Madrid ).

Bruno Mathsson

Imagen tomada de: http://www.bruno-mathsson-int.com/news/centenary.htm

Apodado “saltamontes” debido a su parecido con el insecto, nació el 13 enero de 1907 en Värnamo - murió el 17 agosto de 1989 en Värnamo, Suecia. Es un Diseñador y Arquitecto inclinado hacia el funcionalismo y el modernismo como también influenciado por la artesanía sueca.

Era hijo de un carpintero lo cual lo influencio a incursionar en los muebles y sillas, trabajó en la galería de su padre, desarrollando técnicas para doblar y pegar la madera bajo la acción del agua caliente, complementándolas con tejidos artesanales en correas, con la intención de suavizar los contornos más duros de los productos intentando armonizar racionalidad y eficacia con organicismo y humanidad, la producción industrial y la tradición artesanal.

En 1931 diseño para un hospital  su primera silla de correas de Suecia, muebles ergonómicos que alcanzaron la fama rápidamente. Su primera silla fue catalogada como adelantada a su tiempo, fue por mucho tiempo guardada en su sótano, alcanzó el éxito por su ergonomía y comodidad, donde se reconoce la suavidad característica que hace parte del funcionalismo escandinavo. (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: Art Deco Versus el Funcionalismo Racionalista, p.247.  Madrid )

También diseñó casas en Suecia, Portugal y en los Estados Unidos con los marcos de cristal y acero.

MEMPHIS - 1981

Memphis quiso marcar la diferencia ofreciendo piezas coloridas y diferentes, sus colores lograban un contraste con los negros y los tonos oscuros,sin embargo su diferencia no logro tildarlo de un gusto exquisito o lujoso, muchas veces se le asocio con superficialidad estética, y se visualizó más como una moda. Se inspiraba con movimientos como Art Deco y Pop Art, estilos como el Kitsch ademas de temas futurísticos, podemos afirmar entonces que su concepto de diseño era una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo 20.

Ettore Sottsass “Carlton”-  1981

Imagen tomada de: http://vdm.io.tudelft.nl/fda/sottsass/sott81.htm

Andrea Branzi, “Gritti” biblioteca - 1981

Imagen tomada de: http://www.christies.com/LotFinder/LotDetailsPrintable.aspx?intObjectID=4811714

Peter Shire “Bel Air” Sillon - 1982

Imagen tomada de:  http://lakhimich.blogspot.com/2011/10/ai-weiwei-han-dynasty-urn-i-suppose.html

Michele De Lucchi, “Antares” - 1983

Imagen tomada de: http://www.fanantique.com/en/QZ0049_details.html

Florero que tiene forma de tubo de ensayo.

Martine Bendin, “Super” lámpara - 1981

Imagen tomada de:  http://www.artnet.com/artists/lotdetailpage.aspx?lot_id=CBA4C6020E3D84F266F21ADEAB7F7BCC

STYLING - 1939

“Conocemos bajo la palabra styling aquella modalidad de diseño industrial que prioriza el aspecto externo de los objetos, los diseñadores de la época querían que dichos objetos tuvieran un aspecto atractivo, lo que resolvía a través de nítidas carcasas de un aire futurista, aunque muchos de ellos tomaron referencias Deco, porque ello vendía bien”.

Para el styling no interesa la calidad, sino forma donde se produce mucho según la moda, visiona la imagen del futuro, consumismo. Fue el primer estilo de diseño de EE.UU, es simultáneo a la Ulm. Se refleja una  cultura de consumo, produciendo  diseños atractivos relacionando el  estilo y el mercado, totalmente una propuesta de  estilo formal para  aumentar las ventas, todavía. Sus antecedentes  son decorativitas, pero su nuevo concepto es “entre mas desarrollado el estilo mas innovación”

Refleja gran futurismo, en esta época se logra el curvado de vidrio y con esto influencia lo futurista, exaltan los autos aerodinámicos la biónica de animales acuáticos y aéreos que influenciando  las formas de los autos.

Duplicador “Gestetner” rediseño de Raymond Loewy - 1929

Imagen tomada de: http://collections.vam.ac.uk/item/O322014/duplicator-gestetner-duplicator/

Los parámetros que hicieron surgir el Styling fueron exagerándose e impregnándose de un aire Kitsh, ya que empezaron a destacarse redondeamientos en las formas, algunos exageran el aire aerodinámico hasta llegar a simular avanzados aparatos aéreos.

Publicidad de la Locomotora Burlington Zephyr  - 1934



Imagen tomada de: http://geodiendo.blogspot.com/2010/12/pioneer-zephyr-el-ferrocarril.html

Las compañías estadounidenses son privadas, lo que genera una fuerte competencia entre ellas, así que buscaban la mejor imagen que se viera dotada de una carga simbólica distinta y distintiva con aires futuristas.

W.D Teague. Cámara Bantam Special - 1936

Imagen tomada de: http://elblogdetas.blogspot.com/2010/04/kodak-bantam-special-de-walter-dorwin.html

Con un Aire Deco por las líneas metálicas que dibujan escalones, pero su curvatura juega a favor de la integración del conjunto y por tanto, de las líneas mas populares del diseño norteamericano de la época.

Lurelle Guild. Aspiradora Electrolux modelo 30 - 1937

Imagen tomada de: http://www.artnet.com/magazine/news/newthismonth/ntm1-8-02.asp

Objetos que poseían una gran cantidad de ornamentos, sin que realmente supusiera una mejora técnica del producto más bien un asunto de maquillaje.

Henry Dreyfuss.  Locomotora 20th Century Limited - 1938

Imagen tomada de: http://bitacoradelacapitan.blogspot.com/2010/11/bitacora-11.html





ART DECO - 1929

Posee alta carga decorativista aunque se inclina por la simplificación formal, logra en sus diseños cautivar el espectador por su sofistificaciòn, lujo y exclusividad. Así que se vio como un estilo libre y glamouroso, ya que era un estilo caro, por su contenido artesanal y los lujosos materiales que empleaba. Tenia una amplia gama de producción artística, desde pinturas, esculturas, diseño mobiliario, tejidos, trabajos en metal, joyería, vidrio y hasta diseño grafico y en todo se evidenciaba el decorativismo sin afectar sus componentes funcional es.

Clarice Cliff. Servicio te para dos -1931

Imagen tomada de: http://www.dinosaursandrobots.com/2008/08/100-clarice-cliff-tea-cups-at-auction.html

Con figuras insólitas que hacían parte fundamental de la decoración del estilo, utilizando figuras crisoelefantinas, como también semiabstractos diseños geométricos y estilizadas figuras de animales para decorar cerámica Deco.

Alfonso Bialetti. Cafetera Moka Express - 1933

Imagen tomada de: http://theitalywiki.com/index.php/Coffee

Presenta acromia y descomposición geométrica, llamado también Deco Industrial, evoca el afacetamiento  de la talla de piedras preciosas, por su tonalidad brillante es uno de los materiales favoritos del estilo.



Poul  Henningsen. Lampara PH Alcachofa - 1957

Imagen tomada de: http://www.designlamps.net/es/lamparas/poul-henningsen-alcachofa-lampara.html

Diseño utilitario dirigido a la mejora de condiciones de vida, lleno de armonía formal.

Kay Fisker, Jarra de vino -  1926

Imagen tomada de: http://decorativearts.waddingtons.ca/31march2010/catalogue/0/0066/

Denota una gran desnudez en sus formas geométricas, combinando una síntesis entre movimiento moderno y tradición, se observa como se alcanza la belleza sin el apoyo de la ornamentación.

Alvar Aalto. Jarron Savoy  - 1936

Imagen tomada de: http://www.misscompras.com/jarron-alvar-aalto/

Se destaca por un organicismo Abstracto que se desarrolla en formas asimétricas pero sinuosas.

UN MUNDO MATERIAL

Una opción para el entender el objetivo de la humanidad seria enfocando especial atención en su búsqueda incesante de satisfacción, se abastecen de todo lo que pueda complacerle. El poder de alcance de dicha satisfacción ha delimitado la sociedad desde un principio, organizando una estructura jerárquica muy marcada, respetada y “mantenida” por los ciudadanos a través de los tiempos. Ha sido dicha estructura social desde un inicio base de todo desarrollo cultural. Entendamos por cultura, la unificación de manifestaciones artísticas, musicales, literarias, el folclore, la tradición, la historia misma, como evolución humana. De ahí y en consecuencia de las exigencias sociales, surgieron para el proceso artístico e industrial niveles de producción dirigidos a complacer y cumplir los requerimientos de dicha jerárquica social.

Remontémonos rápidamente en algunas épocas de la historia donde el protagonismo siempre ha primado sobre las clases altas, estos podían ser burgueses, cuyo poder económico es conseguido; cortesanos, cuya riqueza es heredada y lo disfrutan desde cuna; y nobles que pertenecen a la realeza. Estas clases sociales fueron fundamentales para el desarrollo intelectual humano ya que el poder económico determina la exigencia del lujo. Definamos lujo como suntuosidad, cosas exclusivas y de alto precio que podían pagar las altas sociedades para elevar su calidad de vida, su estatus social y prestigio.

Se ve reflejado en el paso del gótico al renacimiento, cuando el costo del arte se eleva a expensas del consumo burgués y este por su parte con el poder económico que domina, exige al artista una evolución de los ideales de belleza obligando a expandir el panorama estético de la época. Tal hecho generó evolución en los cánones artísticos y sociales, para el burgués el arte se convirtió en un lujo, y le dotaba de prestigio, los mecenas financiaban al artista para que bajos su propios conceptos generaran obras, lo cual impulso al artista a explorar opciones que lo alejaron del tema religioso característico de la época.

Las sociedades altas exigieron al arte exaltar el poder que representaban en el pueblo; la distinción se hizo objetivo y como respuesta a dicha petición  el ornamento pasó a destacar en el estilo de vida, y a distinguir poderío, siendo esta una antiquísima “herramienta”  utilizada para sobresaltar algo “La concepción ornamental se relaciona con las construcciones arquitectónicas clásicas y del arte egipcio, llenándose sus piezas de columnas, capiteles y otros motivos poco ortodoxos para los objetos de diseño” (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: una aproximación, p.52. Madrid ) El adorno configuraba la distinción y se convirtió en algo característico  de los adinerados, y en cuanto al arte fue protagónico en el  barroco y el rococó, siendo este ultimo para el artista una exploración mundana; este elemento ha sido característico en diferentes movimientos y estilos a través del tiempo, sea aceptado o rechazado como por ejemplo (y adelantándonos en el tiempo)  para la Deutscher Werkbund (1907), el ornamento representa la imposibilidad productiva, y es inadecuado para la configuración de los objetos de la modernidad además de promover el diseño dirigido a los burócratas y elitistas.

Es entonces como la economía y la manipulación social de esta ha impulsado la evolución humana en distintas facetas. Hasta este punto la producción artística ha sido muy valorada y explotada, disfrutada por las clases altas, símbolo de lujo. Los demás integrantes de la población no podían aspirar a algo semejante, vidas campesinas  giraban en torno al trabajo, el esfuerzo y una existencia sencilla, mientras los nobles, cortesanos y burgueses disfrutaban de un nivel muy superior de comodidad. Artistas que pasaban semanas y meses explorando conceptos, preparando oleos y  lienzos para poder desarrollar una obra, no ofrecían sus servicios a campesinos, no podrían pagarlo, podría verse algo tan exclusivo incongruente, fuera de todo contexto. La comodidad y el esfuerzo diario, lujos y una vida sencilla, dinero en abundancia y el sustento de la familia ¿Qué perseguía la nobleza? ¿Qué bien intentaban comprar? Aprobación social, dignidad, estatus… ¿realización? Al complacer caprichos establecidos por otros, al pertenecer a una época renacentista o una moderna y adquirir todo lo que se “debe” poseer para ser aceptado ¿no los convierte en los mismos esnobs? Podrían decir que un artesano o un campesino pudo ser más feliz  sin la opulencia y riqueza de los burgueses; si, tal vez, pero acaso estos mismos no se encargaban de marcar la diferencia entre lo que eran y lo que soñaban ser y obtener, sin poder alcanzar a comprender la magnitud de comodidad y calidad de vida que dicha superioridad les podía ofrecer, la distinción, la satisfacción, ¿la felicidad?

Avanzando a la Revolución Industrial cuyo cambio social es notorio, y según Renato De Fusco “los  resultados de las innovaciones tecnológicas consiguieron modificar en breve tiempo la propia distribución de la población” (De Fusco, Renato. 2005. Historia del diseño, los años de la revolución industrial 1760 y 1830. Cap. II.  Ed. santa & cole, Barcelona)   Vemos que se da el proletariado y se desarrolla el capitalismo, nos hayamos frente a un punto crítico de consumo, consumo estético, el arte se convirtió en una producción más rápida ya que los insumos artísticos los producían las industrias, ¿Por qué el arte? Que es pues, sino la respuesta humana a la necesidad de representar la sociedad a través del tiempo.  El acceso inmediato de los procesos industriales con la producción masificada dio paso al Kitsch podríamos explicarlo “Cuando la industria pretende imitar el arte o la artesanía mediante sus procedimientos, obtenemos el premio de la afectación, la victoria de apariencias.” (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: una aproximación, los discursos del sigo XIX. Cap 3, p.54. Madrid ) Dicha falsificación de lo legitimo por medio de la industrialización posiciona los objetos en el mercado, accesible a todos. Algunas de las victimas de producción masificada son el estilo victoriano, en Inglaterra, que en dicha época era potencia Industrial, y el rococó. De acuerdo con Rosalia Torrent  “Pero no debemos juzgar ese fenómeno de una forma totalmente negativa; al fin y al cabo, esa imitación de las complejidades formales que se encontraban en el arte fueron todo un campo de experimentación para los industriales del diseño.”  (Marin, Juan M. Torrent, Rosalia. 2005, Historia del diseño industrial: una aproximación, los discursos del sigo XIX.  p.53. Madrid)

La mirada de la industrialización se poso sobre el proletariado, las clases medias podían acceder mediante copias a dichos objetos que por tanto tiempo hicieron parte de un grupo exclusivo y elitista perteneciente a las clases altas; obtenían a precios cómodos objetos que representaban lujo y exclusividad, cosas que tal vez a las clases superiores alguna vez les dio estatus y reconocimiento. No era legítimo, sin embargo primaba su carga simbólica lo que lo hacía más apetecido. Irónico.

Esta conducta  humana  ha sido igual bajo las mismas circunstancias en diferentes contextos históricos en cuanto a la búsqueda de una supuesta realización, queriendo abastecer una necesidad de aceptación. Buscamos la felicidad en lo tangible, pero en realidad es el proceso que desempeñamos en la búsqueda de la dichosa felicidad lo que nos evoluciona y nos llena de complacencia con nosotros mismos, lo que nos abastece no se encuentra en la obtención material, está en el desarrollo intelectual y espiritual, en la búsqueda de nuestra esencia. Vemos como la materia es usurpadora de una felicidad innata de la cultivación espiritual, y no de una manifestación corpórea temporal.